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As fotos mais estranhas

As fotos mais estranhas

A arte é capaz de transmitir toda uma gama de emoções. Algumas pinturas estão envoltas em enigmas místicos, enquanto em outras o principal é o preço proibitivamente alto.

Há muitas fotos estranhas na história da pintura mundial. E, embora o próprio conceito de estranheza seja subjetivo, pode-se destacar os trabalhos conhecidos que se destacam claramente da linha geral.

Edvard Munch "O Grito". O trabalho medindo 91x73,5 cm foi criado em 1893. Munch pintou em óleos, pastéis e têmpera; hoje a pintura é mantida na Galeria Nacional de Oslo. A criação do artista se tornou um marco para o impressionismo; é geralmente uma das pinturas mais famosas do mundo hoje. O próprio Munch contou a história de sua criação: "Eu estava andando pelo caminho com dois amigos. Nesse momento, o sol estava se pondo. De repente, o céu ficou vermelho de sangue, parei, sentindo-me exausto e encostado na cerca. Olhei para o sangue e as chamas sobre o azulado. - um fiord preto e uma cidade. Meus amigos continuaram, e eu ainda estava de pé, tremendo de excitação, sentindo o interminável choro que perfurava a natureza. " Existem duas versões da interpretação do significado traçado. Pode-se considerar que o personagem representado é tomado de horror e gritos silenciosos, pressionando as mãos nos ouvidos. Outra versão diz que o homem fechou os ouvidos devido aos gritos que o cercavam. No total, Munch criou até 4 versões de "Scream". Alguns especialistas acreditam que esta pintura é uma manifestação clássica da psicose maníaco-depressiva da qual o artista sofreu. Quando Munch foi tratado na clínica, ele nunca voltou a essa tela.

Paul Gauguin "De onde viemos? Quem somos? Para onde vamos?" No Museu de Belas Artes de Boston, você pode encontrar esta obra impressionista, medindo 139,1 x 374,6 cm. Foi pintada em óleo sobre tela entre 1897 e 1898. Este trabalho profundo foi escrito por Gauguin no Taiti, onde se aposentou da azáfama da vida parisiense. A pintura tornou-se tão importante para o artista que, após sua conclusão, ele até quis se suicidar. Gauguin acreditava que ela era a melhor cabeça que ele havia criado antes. O artista acreditava que ele não seria capaz de criar algo melhor ou similar, ele simplesmente não tinha mais nada pelo que lutar. Gauguin viveu por mais 5 anos, provando a verdade de seus julgamentos. Ele mesmo disse que sua imagem principal deveria ser vista da direita para a esquerda. Existem três grupos principais de figuras, que personificam as perguntas com as quais a tela é intitulada. Três mulheres com um filho mostram o início da vida; no meio, as pessoas simbolizam a maturidade; a velhice é representada por uma mulher idosa que aguarda sua morte. Parece que ela aceitou isso e está pensando em algo próprio. A seus pés está um pássaro branco, simbolizando a falta de sentido das palavras.

Pablo Picasso "Guernica". A criação de Picasso é mantida no Museu Reina Sofia, em Madri. Uma pintura grande, 349 por 776 cm, pintada a óleo sobre tela. Esta pintura mural foi criada em 1937. A imagem fala sobre a invasão de pilotos voluntários fascistas na cidade de Guernica. Como resultado desses eventos, a cidade com uma população de 6 mil pessoas foi completamente arrasada. O artista criou esta imagem em apenas um mês. Nos primeiros dias, Picasso trabalhou por 10 a 12 horas, em seus primeiros esboços a idéia principal já era visível. Como resultado, a imagem se tornou uma das melhores ilustrações de todos os horrores do fascismo, crueldade e sofrimento humano. Em "Guernica", você pode ver uma cena de atrocidade, violência, morte, sofrimento e desamparo. Embora as razões para isso não sejam explicitamente declaradas, elas são claras na história. Dizem que em 1940 Pablo Picasso foi convocado até a Gestapo em Paris. Ele foi imediatamente perguntado: "Você fez isso?" Ao que o artista respondeu: "Não, você fez".

Jan van Eyck "Retrato do casal Arnolfini". Esta pintura foi pintada em 1434 em óleo sobre madeira. As dimensões da obra-prima são 81.8x59.7 cm e são mantidas na Galeria Nacional de Londres. Presumivelmente, a pintura retrata Giovanni di Nicolao Arnolfini junto com sua esposa. O trabalho é um dos mais difíceis na escola de pintura ocidental durante o Renascimento do Norte. Esta famosa pintura contém um grande número de símbolos, alegorias e várias pistas. Que existe apenas a assinatura do artista "Jan van Eyck esteve aqui". Como resultado, a pintura não é apenas uma obra de arte, mas um documento histórico real. Afinal, ele descreve um evento real que van Eyck capturou. Essa imagem recentemente se tornou muito popular na Rússia, porque a olho nu, a semelhança de Arnolfini com Vladimir Putin é perceptível.

Mikhail Vrubel "Demônio sentado". Esta obra-prima de Mikhail Vrubel, pintada por ele em óleo em 1890, é mantida na Galeria Tretyakov. As dimensões da tela são 114x211 cm. O demônio descrito aqui é surpreendente. Ele aparece como um jovem triste, com cabelos longos. Geralmente, as pessoas não representam espíritos malignos dessa maneira. O próprio Vrubel, sobre sua pintura mais famosa, disse que, em seu entendimento, o demônio não é tanto um espírito maligno quanto um espírito sofredor. Ao mesmo tempo, não se pode negar-lhe autoridade e dignidade. O demônio de Vrubel é uma imagem, antes de tudo, do espírito humano, que reina dentro de nós em constante luta conosco e com dúvidas. Esta criatura, cercada por flores, tragicamente apertou suas mãos, seus enormes olhos tristemente olham para longe. Toda a composição expressa a restrição da figura do demônio. Ele parece estar espremido nessa imagem entre a parte superior e inferior da moldura da imagem.

Vasily Vereshchagin "A apoteose da guerra". A pintura foi pintada em 1871, mas nela o autor parecia prever os horrores das futuras guerras mundiais. As telas de 127x197 cm são mantidas na Galeria Tretyakov. Vereshchagin é considerado um dos melhores pintores de batalha na pintura russa. No entanto, ele não escreveu guerras e batalhas porque os amava. O artista tentou transmitir às pessoas sua atitude negativa em relação à guerra por meio de obras de arte. Certa vez, Vereshchagin prometeu não mais pintar quadros de batalha. Afinal, o pintor levou a dor de todos os soldados feridos e mortos muito perto de seu coração. O resultado de uma atitude tão sincera em relação a esse tópico foi "A apoteose da guerra". Uma imagem terrível e hipnotizante mostra uma montanha de crânios humanos em um campo com corvos ao redor. Vereshchagin criou uma tela emocional, atrás de cada crânio em uma pilha enorme é traçada a história e o destino de indivíduos e pessoas próximas a eles. O próprio artista sarcasticamente chamou essa imagem de natureza morta, porque retrata uma natureza morta. Todos os detalhes de "A apoteose da guerra" gritam sobre a morte e o vazio, e podem ser vistos até no fundo amarelo da terra. E o azul do céu enfatiza apenas a morte. A idéia dos horrores da guerra é enfatizada por buracos de bala e marcas de sabre nos crânios.

Grant Wood "gótico americano". Esta pequena pintura mede 74 por 62 cm, foi criada em 1930 e agora é mantida no Art Institute of Chicago. A pintura é um dos exemplos mais famosos da arte americana do século passado. Já em nosso tempo, o nome "American Gothic" é frequentemente mencionado na mídia. A pintura mostra um pai bastante sombrio e sua filha. Inúmeros detalhes falam sobre a gravidade, puritanismo e ossificação dessas pessoas. Eles têm rostos descontentes, um forcado agressivo no meio da foto, e as roupas do casal são antiquadas, mesmo para os padrões da época. Até a costura nas roupas do fazendeiro segue a forma de um forcado, dobrando a ameaça para quem invade seu estilo de vida. Os detalhes da imagem podem ser estudados infinitamente, sentindo fisicamente desconforto. É interessante que uma vez, em uma competição no Instituto de Artes de Chicago, a imagem foi aceita pelos juízes como humorística. Mas o povo de Iowa ofendeu o artista por expô-lo em uma perspectiva tão pouco atraente. O modelo para a mulher era a irmã de Wood, mas o protótipo do homem revoltado era o dentista do pintor.

René Magritte "Amantes". A pintura foi pintada em 1928 em óleo sobre tela. No entanto, existem duas opções. Em um deles, um homem e uma mulher estão se beijando, apenas suas cabeças estão envoltas em pano branco. Em outra versão da imagem, os amantes estão olhando para o espectador. Desenhada e surpreendente, e encantadora. Figuras sem rostos simbolizam a cegueira do amor. Sabe-se que os amantes não vêem ninguém por perto, mas não podemos ver seus verdadeiros sentimentos. Mesmo entre si, essas pessoas, cegas pelo sentimento, são na verdade um mistério. E embora a mensagem principal da imagem pareça clara, "Amantes" ainda fazem você olhar para eles e pensar em amor. Em geral, quase todas as pinturas de Magritte são quebra-cabeças, que são completamente impossíveis de resolver. Afinal, essas telas levantam as principais questões sobre o significado de nossa vida. Nelas, o artista fala sobre a natureza ilusória do que vemos, sobre o fato de que existem muitas coisas misteriosas ao nosso redor que tentamos não perceber.

Marc Chagall "Caminhada". A pintura foi pintada em óleo sobre tela em 1917, agora é mantida na Galeria Tretyakov do Estado. Em seus trabalhos, Marc Chagall geralmente é sério, mas aqui ele se permitiu mostrar sentimentos. A pintura expressa a felicidade pessoal do artista, cheia de amor e alegorias. Sua "Caminhada" é um auto-retrato onde Chagall descreveu sua esposa Bella ao lado dele. A pessoa escolhida dele voa no céu, ela está prestes a arrastar a artista para lá, que já quase se levantou do chão, tocando-a apenas com a ponta dos sapatos. Por outro lado, o homem é um teta. Podemos dizer que foi assim que Chagall retratou sua felicidade. Ele tem um guindaste no céu na forma de uma mulher amada e um teta nas mãos, com o que ele quis dizer seu trabalho.

Hieronymus Bosch "O Jardim das Delícias Terrenas". Esta tela de 389x220 cm é mantida no Museu de Direito da Espanha. Bosch pintou uma pintura a óleo sobre madeira nos anos 1500-1510. Este é o tríptico mais famoso da Bosch, embora a imagem possua três partes, com o nome da central, dedicada à voluptuosidade. Há um debate constante em torno do significado de uma imagem estranha, não existe uma interpretação dela que seria reconhecida como a única correta. O interesse no tríptico aparece por causa dos muitos pequenos detalhes que expressam a idéia principal. Existem figuras translúcidas, estruturas incomuns, monstros, pesadelos e visões encarnados e variações infernais da realidade. O artista foi capaz de ver tudo isso com um olhar penetrante e perspicaz, conseguindo combinar elementos diferentes em uma única tela. Alguns pesquisadores tentaram ver na imagem um reflexo da vida humana, o que o autor mostrou em vão. Outros encontraram imagens de amor, alguém descobriu o triunfo da voluptuosidade. É duvidoso, no entanto, que o autor estivesse tentando glorificar as delícias carnais. Afinal, figuras de pessoas são retratadas com desapego e inocência frios. E as autoridades da igreja reagiram favoravelmente a essa imagem de Bosch.

Gustav Klimt "Três idades das mulheres". Esta pintura está localizada na Galeria Nacional Romana de Arte Moderna. A tela quadrada de 180 cm de largura foi pintada em óleo sobre tela em 1905. Esta pintura expressa alegria e tristeza ao mesmo tempo. O artista, em três figuras, conseguiu mostrar toda a vida de uma mulher. O primeiro, ainda criança, é extremamente despreocupado. Uma mulher madura expressa paz, e a última era simboliza o desespero. Ao mesmo tempo, a meia-idade é organicamente tecida no ornamento da vida, e a antiga destaca-se visivelmente no fundo. O claro contraste entre uma mulher jovem e uma mulher mais velha é simbólico. Se o florescimento da vida é acompanhado por inúmeras oportunidades e mudanças, a última fase é a constância arraigada e o conflito com a realidade. Essa imagem atrai a atenção e faz pensar na intenção do artista, sua profundidade. Ele contém toda a vida com sua inevitabilidade e metamorfose.

Egon Schiele "A Família". Esta tela mede 152,5x162,5 cm, pintada em óleo em 1918. Agora é mantido no Belvedere de Viena. O professor de Schiele era o próprio Klimt, mas o aluno não tentou copiá-lo diligentemente, procurando seus próprios métodos de expressão. Podemos dizer com segurança que as obras de Schiele são ainda mais trágicas, assustadoras e estranhas do que as de Klimt. Alguns elementos hoje seriam chamados pornográficos, existem muitas perversões diferentes, o naturalismo está presente em toda a sua beleza. Ao mesmo tempo, as pinturas são literalmente permeadas de algum tipo de desespero doloroso. O auge do trabalho de Schiele e sua pintura mais recente é A Família. Nesta tela, o desespero é levado ao máximo, enquanto o trabalho em si acabou sendo o menos estranho para o autor. Depois que sua esposa grávida, Schiele, faleceu da gripe espanhola, e pouco antes de sua morte, essa obra-prima foi criada. Apenas três dias se passaram entre as duas mortes, o suficiente para o artista se retratar com sua esposa e seu filho nunca nascido. Naquela época, Schiele tinha apenas 28 anos.

Frida Kahlo "Dois Frida". A foto nasceu em 1939. A artista mexicana Frida Kahlo ficou famosa após o lançamento de um filme sobre ela com Salma Hayek no papel-título. O trabalho da artista foi baseado em seus autorretratos. Ela mesma explicou esse fato da seguinte maneira: "Escrevo a mim mesma porque passo muito tempo sozinha e porque sou o tópico que conheço melhor". É interessante que Frida não sorria em nenhuma de suas pinturas. Seu rosto é sério, até um pouco triste. Sobrancelhas espessas fundidas e antenas quase imperceptíveis acima dos lábios comprimidos expressam a máxima seriedade. As idéias das pinturas estão nas figuras, antecedentes e detalhes do que rodeia Frida. O simbolismo das pinturas é baseado nas tradições nacionais do México, intimamente entrelaçadas com a antiga mitologia indiana. "Two Frida" é uma das melhores fotos da mulher mexicana. Nele, os princípios masculino e feminino são exibidos de maneira original, possuindo um único sistema circulatório. Assim, o artista mostrou a unidade e a integridade desses dois opostos.

Claude Monet "Ponte de Waterloo. Efeito Nevoeiro". Esta pintura de Monet pode ser encontrada no Hermitage de São Petersburgo. Foi pintado em óleo sobre tela em 1899. Em um exame mais detalhado da imagem, ela aparece como uma mancha roxa com pinceladas grossas aplicadas. No entanto, afastando-se da tela, o espectador entende toda a sua magia. Primeiro, vagos semicírculos se tornam visíveis, passando no centro da imagem e aparecem os contornos dos barcos. E a uma distância de alguns metros, você já pode ver todos os elementos da imagem, que estão conectados em uma cadeia lógica.

Jackson Pollock "Número 5, 1948". Pollock é um clássico do gênero do expressionismo abstrato. Sua pintura mais famosa é a mais cara do mundo hoje. E o artista pintou em 1948, simplesmente derramando tinta a óleo sobre papelão medindo 240x120 cm no chão. Em 2006, essa pintura foi vendida na Sotheby's por US $ 140 milhões. O proprietário anterior, colecionador e produtor de filmes David Giffen, vendeu para o financista mexicano David Martinez. Pollock disse que decidiu se afastar de ferramentas conhecidas como artistas, como cavaletes, tintas e pincéis. Suas ferramentas eram paus, facas, conchas e derramar tinta. Ele também usou uma mistura dele com areia ou até vidro quebrado. Começando a criar. Pollock se rende à inspiração, nem mesmo percebendo o que está fazendo. Só então vem a realização do perfeito. Ao mesmo tempo, o artista não teme destruir a imagem ou alterá-la inadvertidamente - a imagem começa a viver sua própria vida. A tarefa de Pollock é ajudá-la a nascer, a sair.Mas se o mestre perder contato com sua criação, o resultado será caos e sujeira. Se for bem-sucedida, a pintura incorporará pura harmonia, facilidade de receber e incorporar inspiração.

Joan Miró "Um homem e uma mulher diante de uma pilha de excrementos." Esta pintura é agora mantida na coleção do artista na Espanha. Foi pintado a óleo em uma folha de cobre em 1935, em apenas uma semana, de 15 a 22 de outubro. O tamanho da criação é de apenas 23x32 cm. Apesar de um nome tão provocativo, a imagem fala dos horrores das guerras civis. O próprio autor, portanto, descreveu os eventos daqueles anos ocorridos na Espanha. Miro tentou mostrar um período de preocupação. Na foto, você pode ver o homem e a mulher imóveis, que, no entanto, são atraídos um pelo outro. A tela está saturada de flores venenosas ameaçadoras, juntamente com os órgãos genitais aumentados, parece deliberadamente repugnante e repugnantemente sexy.

Jacek Jerka "Erosão". Nas obras deste neo-surrealista polonês, as imagens da realidade, entrelaçadas, dão origem a uma nova realidade. De certa forma, até as imagens tocantes são extremamente detalhadas. Eles sentem os ecos dos surrealistas do passado, de Bosch a Dali. Yerka cresceu em uma atmosfera de arquitetura medieval que milagrosamente sobreviveu aos bombardeios da Segunda Guerra Mundial. Ele começou a desenhar antes mesmo de entrar na universidade. Eles tentaram mudar seu estilo para um mais moderno e menos detalhado, mas o próprio Yerka manteve sua individualidade. Hoje, suas pinturas incomuns são exibidas não apenas na Polônia, mas também na Alemanha, França, Mônaco e EUA. Eles são encontrados em várias coleções em todo o mundo.

Bill Stoneham "As mãos resistem a ele". A pintura, pintada em 1972, dificilmente é uma pintura clássica. No entanto, não há dúvida de que ela é uma das criações mais estranhas dos artistas. A pintura mostra um menino, ao lado dele está uma boneca, e inúmeras palmas são pressionadas contra o vidro por trás. Essa tela é estranha, misteriosa e um pouco mística. Já está cheio de lendas. Dizem que, por causa dessa foto, alguém morreu e as crianças estão vivas. Ela parece realmente assustadora. Não é de surpreender que a pintura evoque medos e fantasias terríveis para pessoas com uma mentalidade doentia. O próprio Stoneham garantiu que se pintou com 5 anos de idade. A porta atrás do garoto é a barreira entre a realidade e o mundo dos sonhos. A boneca, por outro lado, é um guia que pode levar uma criança de um mundo para outro. Mãos são vidas alternativas ou capacidades humanas. A pintura ficou famosa em fevereiro de 2000. Foi colocado à venda no eBay, dizendo que tinha fantasmas. No final, Hands Resist Him foi comprado por US $ 1.025 por Kim Smith. Logo, o comprador foi literalmente inundado de cartas com histórias assustadoras associadas à pintura, e exige destruir essa tela.


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